HET IS DE TIJD DAT HET VANDAAG CREËERT IN DE WERELD VAN DE KUNST, HET IS ZO MOEILIJK OM TE PERCEPEN, EN MEER DAN EVALUEREN DAT WE NIET IEDEREEN ZELF EEN Poging DOEN. ADVENTOR VAN KLASSIEKE FIJNE KUNST OP AFSTAND VAN NIEUWE "MEESTERWERKEN" EN GESCHOKT VAN FABELACHTIGE BEDRAGEN DIE BIEDEN TE BETALEN VOOR DE "DIMMER DEMIERO JERIUJELLI JERAUJERJA JERJUJAJERJA DELAJA. Laten we proberen het uit te zoeken.
Aved moderne kunst is veel begrijpelijker, dichterbij en duurder. Het is alleen nodig om te begrijpen welke wetten het gehoorzaamt. Als je wilt, kun je eenvoudig de sleutel pakken van de geheime deur die leidt naar de wereld van de hedendaagse kunst en het meest onbegrijpelijke kunstobject decoderen. Je zult zien dat de werken die in de afgelopen decennia zijn gemaakt, niet zo ver zijn gegaan van de werken die 100 jaar geleden aan het publiek werden gepresenteerd. Inderdaad, het is vaak het verleden dat verklaart wat er gebeurt.
Angst voor hedendaagse kunst, puzzels, provoceert, intrigeert, wekt nieuwsgierigheid, roept op tot nadenken, bevredigt en ten slotte genot. Dit is het pad dat je moet volgen om de top van de "berg" te bereiken die hedendaagse kunst wordt genoemd. Je moet een verlangen en een zekere moed hebben om op pad te gaan, terwijl voorbereidende voorbereidingen je zullen helpen de afstand snel te overbruggen. Klimmen is niet eenvoudig: verwarring, onzekerheid en soms walging zijn de trouwe metgezellen van de reiziger. Groot is de verleiding om terug te gaan (wat velen doen). Maar voor iemand die minstens halverwege passeert, wacht een soort beloning - een verandering van medereizigers: nu lopen nieuwsgierigheid en tevredenheid langszij, en bovenaan zal genot zijn. Een werk van moderne kunst kan onmiddellijk worden begrepen, of het kan enige tijd duren om informatie te verzamelen, de bron te lezen, vragen te stellen, na te denken en te discussiëren.
Er is geen professionele, amateur of kenner van hedendaagse kunst die absoluut alle werken graag zou willen. Maar door de hele geschiedenis van de kunst loofden tijdgenoten sommige en schelden anderen. Iemand was een universele favoriet, maar iemand haatte het. Na verloop van tijd werden sommigen vergeten, terwijl anderen de geschiedenis ingingen. De dingen zijn ingewikkelder met hedendaagse kunst, omdat de tand des tijds nog niet is doorstaan. In dit geval moet u vertrouwen op de mening van professionals en luisteren naar uw eigen emoties. We trekken onze eigen conclusies: een kunstobject verdient een plaats in een museum of niet.
Een ander scenario volgt vanaf hier, direct tegenover het eerste. Angst voor hedendaagse kunst, puzzels, provoceert, intrigeert, wekt nieuwsgierigheid, roept op tot reflectie, voldoet niet en stoot af. De reiziger gaat naar de bergen in de hoop te genieten van het uitzicht, en hij blijkt middelmatig te zijn en veroorzaakt geen emoties.
En waarom was er eigenlijk? Dergelijke reizen zijn echter altijd een goede training voor het hele lichaam: uithoudingsvermogen ontwikkelt zich, toon verhoogt. Door dit idee te projecteren in hedendaagse kunst, verwerven we kennis, verbreden onze horizon, intense reflectie, die soms een therapeutisch effect heeft, en nemen we ook deel aan een intellectueel spel.
De periode in de kunstgeschiedenis, die in de jaren 60-70 van de vorige eeuw begon en tot op de dag van vandaag voortduurt, wordt geassocieerd met moderne kunst. De makers van het nieuwe zijn verder en verder van de kanonnen van het verleden, het concept van kunst is uitgebreid: installaties, performances, landkunst, videokunst zijn verschenen.
Om dit alles te begrijpen, moet je de spelregels kennen, die tot het tijdperk van romantiek in de eerste helft van de XIX eeuw onveranderd waren. De romantici maakten een kleine, maar revolutie, waarvan de gevolgen tot op de dag van vandaag voelbaar zijn. Sindsdien zijn de spelregels voortdurend aan het veranderen.
Het woord "spel" is verre van toevallig. Veel kunstenaars zien hun werk op deze manier. Oordeel zelf: is het echt mogelijk om de "Shit of the Artist" van Pierrot Manzoni, die hij in 1961 creëerde, serieus te nemen? Blikjes met een dergelijke inscriptie zijn door hem gemaakt als een aanfluiting van een samenleving die, vergeten te denken, alles neemt wat hem is overkomen. "Is dat kunst?" - u vraagt. Wat tegenwoordig kunst wordt genoemd, is vaak niet bedoeld om een slaapkamer of woonkamer te 'decoreren', dus verjaag de gedachte 'ik zou dit niet alleen willen doen'.
Hedendaagse kunst, vooral conceptuele kunst, geeft niets om schoonheid, esthetisch plezier, vaardigheid en complexiteit van uitvoering. Het belangrijkste is nu het idee, het ontwerp, het concept. Filosofische redenering, persoonlijke ervaringen, reactie op gebeurtenissen - dit is een onvolledige lijst van wat de auteur ons wil overbrengen. Wanneer u voor de tentoonstelling in het Museum voor Moderne Kunst staat, stel uzelf dan de vraag: houd ik van de gedachte die inherent is aan dit werk? Dat wil zeggen, je moet het werk zelf niet leuk vinden, maar wat het personifieert. Dit is natuurlijk ingewikkelder dan het landschap van Shishkin of het portret van Renoir, maar met een bepaalde training zul je genieten van dergelijke intellectuele spellen met een levenloos (of misschien levend) object.
Een kunstwerk kan alles zijn, elk object gemaakt of "opgepikt" door een kunstenaar ("readymade") en door hem als zodanig verklaard. Dit idee, 100 jaar geleden verwoord door Marcel Duchamp, is in onze tijd relevanter dan ooit. Zijn "Fontein" is gemaakt voor de tentoonstelling van de Society of Independent Artists in 1917, hoewel het woord "gemaakt" hier niet helemaal past. De auteur kocht een urinoir in een loodgieterswinkel, zette er een handtekening op en plaatste het in een ander perspectief. Dus, het onderwerp - de dienstmeid, uit zijn context gehaald - met een gemakkelijke levering werd Duchamp een kunstwerk genoemd. Hoewel Duchamp zelf over anti-kunst sprak. Conceptuele kunst, geboren in de jaren 60, is veel te danken aan deze excentrieke Fransman die een echte revolutie heeft gemaakt. De volgende generaties gingen verder en namen actie, spel, humor en gebaar op in het concept van kunst. Een levendige bevestiging hiervan is de voorstelling "Light Turns On and Off" van Martin Krieg, die in 2001 de prestigieuze Turner Prize op het gebied van kunst ontving. De kunstenaar stond in de voor hem gereserveerde hal in het museum en deed het licht aan en uit.
Het lijkt erop dat een moderne kunstenaar geen teken- en schildervaardigheden nodig heeft, omdat het idee dat in het werk is belichaamd belangrijker is dan de externe gelijkenis met een echt object. Niettemin gingen veel moderne kunstenaars naar kunstacademies, studeerden ze bij erkende meesters, terwijl ze op zoek waren naar hun eigen stijl. Het is voor hem dat de kunstenaar soms verplicht is de klassieke schilderkunst te vermijden.
Het is noodzakelijk om elk werk te beschouwen in de context van de tijd waarin het werd gemaakt. Denk aan de Olympia van Eduard Manet. Ze fascineert, verrukt, lonkt. Maar op de Parijse Salon van 1865 kreeg ze een andere rol toegewezen: om te laten zien hoe moderne kunst is bereikt, hoe vulgair en cynisch het is geworden. De foto veroorzaakte een echt schandaal. Beveiligers werden haar toegewezen en tamelijk hoog geplaatst zodat het publiek niet op haar kon spuwen, met een wandelstok of een paraplu kon slaan. Kenners van de schilderkunst zagen het vlak van het beeld van de figuren. Het zal een paar decennia duren - en de vereenvoudiging van vormen en afbeeldingen wordt een integraal onderdeel van de nieuwe beeldtaal en een kenmerk van veel westerse kunstenaars. Damien Hirst merkte zeer nauwkeurig op: "Mensen die hedendaagse kunst beschuldigen, vergeten dat elke kunst ooit modern was."
We hadden deels geluk, want bij het bestuderen van hedendaagse kunst hebben we de mogelijkheid om ons te wenden tot de primaire bronnen. Kunstenaars uit de 20e en 21e eeuw ondersteunen hun werken graag met manifesten, verklaringen en artikelen. Dankzij de theoretische werken van Kazimir Malevich kunnen we zijn "Black Suprematist Square" begrijpen, zijn ontdekking van zinloze schilderkunst. Als je voor dit kleine doek in de Tretyakov-galerij staat, kun je teleurgesteld zijn, want afgezien van de gebarsten zwarte verf op een witte achtergrond, is er niets. Maar dit is niet wat belangrijk is om te begrijpen, maar de verborgen betekenis ervan, de plaats in het schilderen, de toegang tot zinloosheid, de locatie van dit zwarte vierkant "in de rode hoek" bij de tentoonstelling "0,10" in 1915, eindelijk.
Kunst is de spiegel van zijn tijd. Hedendaagse kunst weerspiegelt de gevoelens van mensen die nu leven, en niet 2000 jaar geleden. Het spreekt in onze taal over onze realiteit en ons dagelijks leven. Op deze manier is het duidelijk en dichtbij. Als u in de war bent, niet weet hoe u zich moet verhouden tot wat u zag, lees dan boeken over de geschiedenis van de hedendaagse kunst. Het is niet zo belangrijk dat je het meteen leuk vindt, maar als je hart en ziel openstaan voor nieuwe, soms vreemde en onbegrijpelijke ideeën, betekent dit dat je de top van de berg nadert, waar interessante gesprekspartners op je wachten.
Tekst: Katerina Baginskaya, kunstdeskundige en kunstcriticus
